Visualizza articoli per tag: Arte

Giovanna Tomasi e Welleda Tomasi Cantù espongono ad Art Capital fino al 19 febbraio al Grand Palais di Parigi. La madrina del magmatismo Giovanna Tomasi continua a vivere attraverso le sue opere grazie alla madre Welleda Tomasi Cantù.

Parigi, 15 febbraio 2017

Apre oggi a Parigi Art Capital, la prima e più importante mostra d'arte a livello internazionale che si tiene ogni anno nella capitale francese, un evento unificante a cui partecipano artisti provenienti da tutto il mondo e rappresentanti le diverse tendenze artistiche emergenti e che dal 2006 viene allestita nella dimora storica del Grand Palais. Tra le rappresentanti italiane che espongono alla mostra, le artiste parmigiane Giovanna Tomasi e Welleda Tomasi Cantù.

Giovanna Tomasi, madrina della corrente artistica denominata "Magmatismo"e prematuramente scomparsa qualche anno fa, continua a vivere e vivrà per sempre attraverso le sue opere, che grazie alla madre vengono esposte in importanti kermesse artistiche in Italia e all'Estero.
Art Capital, che fino a domenica 19 febbraio sarà allestita in uno dei più bei palazzi storici di Parigi, è un evento dinamico e multiforme, come l'arte di Giovanna Tomasi, che ha saputo precorrere i tempi e le modalità di espressione artistica contemporanea.
Pittori, scultori, incisori, fotografi, architetti, artisti e talenti in genere, si incontrano ogni anno a Parigi dal 1884, anno di fondazione della Società degli Artisti Indipendenti, che da allora organizza il salone.
Giovanna Tomasi, commemorata pochi mesi fa nella Chiesa degli Artisti di Roma a quattro anni dalla prematura scomparsa, espone un'opera circolare, magmata con i colori oro e argento, rappresentante la nascita o meglio la continua rinascita e l'eternità dello spirito che ci accompagna nella vita terrena e ultraterrena.

L'artista parmigiana, a pieno titolo, può essere considerata la fautrice della nuova corrente artistica denominata "Magmatismo", che consiste nel "magmare" appunto gli oggetti del vivere quotidiano, i momenti della vita, fissandoli con l'oro, l'argento e il rame.
Quel "ferma l'attimo" o "carpe diem" che permette di cogliere e immortalare un istante, una sensazione, un vissuto, per renderlo eterno e fruibile nel tempo.
Tante le sue partecipazioni ad importanti eventi artistici parigini: varie edizioni del Salon du Patrimoine Culturel che si tiene al Carousel du Louvre, ma anche esposizioni a Montecarlo, Firenze e Roma, diventata la sua residenza principale negli ultimi anni.
In realtà, Giovanna Tomasi era cittadina del mondo, spesso in viaggio tra la Capitale, Parma - sua città natale - e la tanto amata Isola d'Elba, dove trascorreva le vacanze estive e creava le sue opere più significative, come la "Venere degli Abissi".

Giovanna è figlia d'arte, cresciuta in un ambiente stimolante e ricco di ispirazioni artistiche. 
La madre, Welleda Tomasi Cantù, sensibile pittrice di origine parmigiana, ma proiettata da sempre in una dimensione metafisica, propone nei suoi quadri olio su tela soprattutto natura e soggetti floreali, in particolare dipinge girasoli, a cui è particolarmente legata.
Il fiore diventa qui simbolo e persona, quasi a voler trasporre su tela emozioni fatte di luce, brezza, colori intensi e percezioni olfattive, cariche di pathos e ricordi.
Per la partecipazione ad Art Capital Welleda Tomasi Cantù ha preparato un quadro che rappresenta lei e la figlia Giovanna, salita in cielo, ma presente e viva come l'aria che respira.
 Un legame forte che continua a vivere attraverso le loro opere e rappresenta concretamente l'amore eterno tra madre e figlia.

Prosegue il progetto artistico intrapreso a Parma da Marco Nereo Rotelli. La mostra "Costruire con la luce" è in corso alla Galleria San Ludovico fino al 18 marzo, ad ingresso gratuito.

Parma, 6 febbraio 2017

Alla Galleria San Ludovico di Parma, fino al 16 marzo, si può visitare la mostra personale di Marco Nereo Rotelli a cura di Gloria Bianchino, "Costruire con la luce". Un progetto artistico intrapreso a Parma alla fine del 2016 che ha già coinvolto molti luoghi della città, fra cui piazza Garibaldi durante la celebrazione del primo anniversario del riconoscimento Unesco 'City of Gastronomy', con una brillante performance di luci e parole. Un percorso articolato iniziato tre anni fa con l'illuminazione della Pilotta, a cui ha fatto seguito nel 2015 l'illuminazione del complesso del Duomo.

"Marco è un architetto che non costruisce ma semmai "de-costruisce" - ha spiegato la curatrice: "La sua luce blu, colore dell'anima e della spiritualità, segna simbolicamente tanti edifici della nostra città, spesso dimenticati. Il prossimo appuntamento riguarderà il WoPa, per un progetto che si inserisce in un forte dialogo tra centro storico e periferia".

Costante, tra tutti gli eventi del progetto "Costruire con la Luce", il momento della performance inaugurale, tenutasi sabato scorso, durante la quale sono stati invitati ad intervenire poeti ed attori che hanno dato voce alla parola luminosa. Per la mostra alla Galleria San Ludovico è intervenuto all'inaugurazione Roberto Mussapi, poeta, scrittore e traduttore e figura significativa del panorama culturale internazionale. 

Nella mostra vengono esposte opere fondamentali per la ricerca di Rotelli come le "Porte d'oro" presentate per la prima volta a Parigi lungo gli Champs Élysées, i "Libri di marmo" scolpiti per la 54. Esposizione internazionale d'Arte La Biennale di Venezia e una serie inedita di acciai colorati chimicamente con una tecnica innovativa ed estraniante. E' inoltre visibile una videoinstallazione dedicata alle principali opere luminose di Rotelli: dal Field Museum di Chicago, a Palazzo Ducale a Venezia, alla Cattedrale di Santiago de Compostela.

La mostra alla Galleria San Ludovico, organizzata dall'Associazione Art Project con il sostegno di CePIM, il patrocinio e la collaborazione del Comune di Parma e il patrocinio della Provincia di Parma, è arricchita anche da un'installazione dell'artista ospitata all'interno del chiostro della Pinacoteca Stuard. 

L'esposizione, visitabile ad ingresso gratuito, è aperta tutti giorni, tranne il martedì, con il seguente orario: dal lunedì al venerdì dalle 10 alle 17.30, sabato e domenica dalle 10:30 alle 18:30.

Uno di quei luoghi che rendono ricco il nostro Paese grazie all'intuizione e alla volontà di una grande imprenditrice quale è Miuccia Prada a cui si deve la creazione di uno spazio d'arte d'eccellenza, la Fondazione Prada a Milano.

di Federica Fasoli

Milano, 4 febbraio 2017

Vecchio e nuovo, aperto e chiuso, verticale ed orizzontale: vive di ossimori e di (apparenti) contraddizioni la struttura architettonica della Fondazione Prada a Milano, istituzione dedicata all'arte e alla cultura contemporanea presieduta da Miuccia Prada e dal marito Patrizio Bertelli.

Sita in Largo Isarco e sviluppata su ben 19.000 metri quadri di spazio, la sede milanese, ideata dallo studio OMA, nasce dalla riqualificazione di un'antica distilleria degli anni dieci del Novecento, arricchita da tre nuovi edifici (di cui uno, la Torre, ancora in via di completamento) volti a rappresentare nell'insieme una coesistenza continua tra passato e presente, dialogo attivo tra la conservazione di opere preesistenti e l'innovazione dell'arte volta al futuro.

All'interno dell'intera struttura la parola d'ordine è avanguardia: i progetti in esposizione, suddivisi tra installazioni permanenti e mostre temporanee, hanno come obiettivo quello di dimostrare l'importanza dell'impegno culturale odierno, di come l'arte sia estremamente utile, necessaria e, al tempo stesso, didascalica ed attrattiva. Per mezzo di diverse discipline, che spaziano dalla pittura al cinema rivisitate in chiave contemporanea e quasi postmoderna, il messaggio che la Fondazione Prada intende mandare è uno solo: il bisogno di intersezione quotidiana tra le idee creative e la vita di tutti i giorni, generando imprevedibili collegamenti e sovrapposizioni.

Carica di particolare suggestione è la cosidetta Haunted House, uno degli edifici della distilleria del primo Novecento ristrutturato mantenendo la sua conformazione originale. Rivestita esternamente con uno strato di foglia d'oro, la "casa degli spiriti" domina con il suo inconfondibile riverbero il paesaggio urbano circostante, celando al suo interno quattro piani espositivi di forte impatto emotivo: ai piani superiori le opere di Robert Gober, la cui arte reinventa elementi di vita quotidiana generando oggetti ibridi, collegate attraverso una stretta scala in pietra al primo piano e a due lavori di Louise Bourgeois.

Non meno interessante è il caffè presente all'interno della struttura, il Bar Luce, progettato dall'eclettico regista Wes Anderson: arredi, sedute, mobili di formica, pavimento, pannelli di legno impiallacciato e colori ricordano in maniera inconfondibile la tipica atmosfera della vecchia Milano, romanticamente riportata alla mente anche attraverso la riproduzione "in miniatura" della copertura in vetro del soffitto della Galleria Vittorio Emanuele II.

Ed è proprio in Galleria Vittorio Emanuele che la Fondazione Prada, circa un mese fa, ha inaugurato il suo nuovo spazio espositivo: Osservatorio, un panoramico museo di 800 metri quadrati "sospeso" sul cuore di Milano ed interamente dedicato alla fotografia e ai linguaggi visivi.

With the Courtesy of: fondazioneprada.org – ilpost.it – arte.sky.it – hal1974.com – adspazio.it – wikipedia.org – gamberorosso.it – fuoriposto.com

Dopo il successo ottenuto dalle precedenti collaborazioni tra Mantova Outlet Village e ONO arte contemporanea, il nuovo evento sarà la mostra fotografica "Da Andy Warhol a Jean-Michel Basquiat. Dalla Pop Art alla Street Art". L'esposizione è curata da ONO arte contemporanea e sarà inaugurata da Daniela Sogliani, storica dell'Arte, domenica 8 gennaio alle ore 16.30.

Parma, 28 gennaio 2016

Trentasei fotografie in diversi formati protagoniste della mostra nata dalla collaborazione tra Mantova Outlet Village e ONO arte contemporanea. Un percorso che attraversa la fotografia racconta due icone dell'arte contemporanea come Andy Warhol a Jean-Michel Basquiat.

Dopo aver studiato arte pubblicitaria nel corso degli anni Cinquanta ed aver capito l'impatto che poteva avere sui media e sul pubblico, Andy Warhol, nel corso del decennio successivo sarà uno degli artisti che rivoluzionerà per sempre il mondo dell'arte, facendosi portatore di un'idea di estetica "bassa", che dalle sale dei musei doveva necessariamente uscire e fondersi con il mondo massmediatico e soprattutto con il grande pubblico.
Concetti come la serialità, l'esposizione di sé, la ripetizione e il prodotto di fabbrica diventano le chiavi di volta per leggere la Pop Art che, sebbene fosse nata nel 1956 a Londra con Richard Hamilton, esploderà poi a New York nel decennio successivo, proprio grazie alle intuizioni di Andy Warhol. Le sue operazioni estetiche, a colpi di serigrafie seriali, ponevano sullo stesso livello mercificatorio lattine di zuppa di pomodoro, riproduzioni di Marylin e immagini di incidenti stradali riprese dai giornali. Warhol era riuscito insomma a campionare la maggior parte delle icone della musica, della moda e dello star system in generale, arrivando ad offrirci quasi un compendio dei vari prodotti della pop culture, che proprio in quegli anni sta raggiungendo il suo apice. Ma quella stessa cultura popolare Warhol non si accontenta di prenderla "già fatta", dal di fuori, ma vorrà contribuire lui stesso a crearla. Così nasce la Factory, paradiso artificiale di sperimentazione che aveva aperto i battenti all'inizio degli anni sessanta ed era stata una vera e propria fucina di talenti e macchina di creazione di "Superstar". L'arte era così diventata popolare e in questo processo si era trasformata definitivamente. Musica, pittura, fotografia, performance: ora tutto concorre a dare vita ad una nuova sinestesia, alla ricerca dell'opera d'arte totale. Man mano che gli anni passano, la carica travolgente di Warhol rimane invariata: la Factory e tutti i personaggi che la popolano, nel corso degli anni Settanta e Ottanta, si riversano nelle strade di New York, sia quella più "estroversa", fatta di glam, feste e di lustrini, così come quella più legata al sotterraneo, che si sviluppa tra le metropolitane e tra i vicoli di Manhattan. Inevitabile è quindi l'incontro con un altro grande artista, Jean-Michel Basquiat. La sua attività come graffitista era iniziata nel 1977. All'epoca Basquiat aveva 17 anni e insieme all'amico Al Diaz - un giovane che operava sui muri della Jacob Riis, a Manhattan – inizia a realizzare graffiti per le strade di New York firmandosi come SAMO, acronimo di "SAMe Old shit" (letteralmente sempre la stessa merda). Nel 1978, dopo aver lasciato gli studi, comincia a guadagnarsi da vivere vendendo delle cartoline illustrate da lui. E sarà proprio questa attività a farlo notare da Andy Warhol che, avvicinato in un ristorante di SoHo comprerà alcune delle sue opere.

Dopo aver frequentato per anni gli stessi locali – come il Club 57 ed il Mudd Club, frequentati anche da Madonna (con la quale avrà una relazione) e da Keith Haring, con il quale stringerà un'amicizia che durerà fino alla morte -, sarà proprio Warhol che lo aiuterà a sfondare nel mondo dell'arte, attraverso il trampolino di lancio che all'epoca era la sua Factory. I loro rapporti si intensificano al punto da iniziare a lavorare fianco a fianco nella produzione di alcune opere a quattro mani, in cui Basquiat inseriva tratti espressionisti, slogan e scritte. Una pittura istintuale e primitiva che si andava a miscelare a quella serigrafica, seriale di Warhol. Il loro rapporto era diventato quasi simbiotico, ma come spesso accade, due caratteri così dominanti, non saranno destinati a durare a lungo. Quando Warhol muore nel 1987, Basquiat ne sarà profondamente toccato. In breve, l'abuso di droga unita ai problemi mentali, lo portano ad una morte prematura: il 12 agosto del 1988 Basquiat muore di overdose nel suo appartamento newyorkese. Da molti considerato il padre della Street Art insieme a Keith Haring, è stato colui che ha saputo portare alla ribalta il graffitismo e ha chiuso l'epoca d'oro dell'arte contemporanea che negli anni '90 sposterà il proprio epicentro da New York a Londra.

ONO arte è particolarmente lieta di collaborare con Mantova Outlet Village. I risultati ottenuti nelle precedenti mostre sono talmente positivi da consolidare la nostra partnership e programmare nuove esposizioni legate sempre alla fotografia e alla cultura.

Mantova Outlet Village, inaugurato nel 2003, attualmente conta oltre 110 punti vendita dei brand di moda più famosi. Di proprietà del Gruppo Blackstone e gestito da Multi Outlet Management Italy Srl e di recente oggetto di riqualificazione, rappresenta insieme a Franciacorta, Valdichiana, Palmanova e Molfetta Outlet Village, uno dei principali Network italiani del settore. È meta ambita di un importante numero di visitatori (3.000.000/anno) e turisti - vista la vicinanza con il Lago di Garda e la città di Verona, oltre che al posizionamento strategico sull'A22, uscita di Mantova Sud.
L'Outlet, che nasce per essere una realtà commerciale, si caratterizza ed è noto sul mercato, come struttura promotrice e attiva nell'organizzare al suo interno grandi eventi di carattere artistico (mostre d'arte), culturale (rassegne cinematografiche e incontri letterari con autori di spicco), musicale (grandi concerti, opere liriche, circo contemporaneo) e molti altri. L'influenza e la collaborazione con la città di Mantova, famosa per i grandi Festival, oltre che per il patrimonio culturale (quest'anno ha ricevuto al nomina di Capitale Italiana della Cultura 2016) hanno sicuramente promosso lo sviluppo di queste caratteristiche da parte del Village.

La mostra (8 gennaio – 5 marzo 2017) è composta da 36 fotografie in diversi formati, l'ingresso è libero.

DOVE:
Mantova Outlet Village
Via Marco Biagi
Bagnolo San Vito (MN)
Per info e orari: 0376/25041
Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. 
www.mantovaoutlet.it  

Dopo il successo ottenuto dalle precedenti collaborazioni tra Mantova Outlet Village e ONO arte contemporanea, il nuovo evento sarà la mostra fotografica "Da Andy Warhol a Jean-Michel Basquiat. Dalla Pop Art alla Street Art". L'esposizione è curata da ONO arte contemporanea e sarà inaugurata da Daniela Sogliani, storica dell'Arte, domenica 8 gennaio alle ore 16.30.

Parma, 5 gennaio 2016

Trentasei fotografie in diversi formati protagoniste della mostra nata dalla collaborazione tra Mantova Outlet Village e ONO arte contemporanea. Un percorso che attraversa la fotografia racconta due icone dell'arte contemporanea come Andy Warhol a Jean-Michel Basquiat.

Dopo aver studiato arte pubblicitaria nel corso degli anni Cinquanta ed aver capito l'impatto che poteva avere sui media e sul pubblico, Andy Warhol, nel corso del decennio successivo sarà uno degli artisti che rivoluzionerà per sempre il mondo dell'arte, facendosi portatore di un'idea di estetica "bassa", che dalle sale dei musei doveva necessariamente uscire e fondersi con il mondo massmediatico e soprattutto con il grande pubblico.
Concetti come la serialità, l'esposizione di sé, la ripetizione e il prodotto di fabbrica diventano le chiavi di volta per leggere la Pop Art che, sebbene fosse nata nel 1956 a Londra con Richard Hamilton, esploderà poi a New York nel decennio successivo, proprio grazie alle intuizioni di Andy Warhol. Le sue operazioni estetiche, a colpi di serigrafie seriali, ponevano sullo stesso livello mercificatorio lattine di zuppa di pomodoro, riproduzioni di Marylin e immagini di incidenti stradali riprese dai giornali. Warhol era riuscito insomma a campionare la maggior parte delle icone della musica, della moda e dello star system in generale, arrivando ad offrirci quasi un compendio dei vari prodotti della pop culture, che proprio in quegli anni sta raggiungendo il suo apice. Ma quella stessa cultura popolare Warhol non si accontenta di prenderla "già fatta", dal di fuori, ma vorrà contribuire lui stesso a crearla. Così nasce la Factory, paradiso artificiale di sperimentazione che aveva aperto i battenti all'inizio degli anni sessanta ed era stata una vera e propria fucina di talenti e macchina di creazione di "Superstar". L'arte era così diventata popolare e in questo processo si era trasformata definitivamente. Musica, pittura, fotografia, performance: ora tutto concorre a dare vita ad una nuova sinestesia, alla ricerca dell'opera d'arte totale. Man mano che gli anni passano, la carica travolgente di Warhol rimane invariata: la Factory e tutti i personaggi che la popolano, nel corso degli anni Settanta e Ottanta, si riversano nelle strade di New York, sia quella più "estroversa", fatta di glam, feste e di lustrini, così come quella più legata al sotterraneo, che si sviluppa tra le metropolitane e tra i vicoli di Manhattan. Inevitabile è quindi l'incontro con un altro grande artista, Jean-Michel Basquiat. La sua attività come graffitista era iniziata nel 1977. All'epoca Basquiat aveva 17 anni e insieme all'amico Al Diaz - un giovane che operava sui muri della Jacob Riis, a Manhattan – inizia a realizzare graffiti per le strade di New York firmandosi come SAMO, acronimo di "SAMe Old shit" (letteralmente sempre la stessa merda). Nel 1978, dopo aver lasciato gli studi, comincia a guadagnarsi da vivere vendendo delle cartoline illustrate da lui. E sarà proprio questa attività a farlo notare da Andy Warhol che, avvicinato in un ristorante di SoHo comprerà alcune delle sue opere.

Dopo aver frequentato per anni gli stessi locali – come il Club 57 ed il Mudd Club, frequentati anche da Madonna (con la quale avrà una relazione) e da Keith Haring, con il quale stringerà un'amicizia che durerà fino alla morte -, sarà proprio Warhol che lo aiuterà a sfondare nel mondo dell'arte, attraverso il trampolino di lancio che all'epoca era la sua Factory. I loro rapporti si intensificano al punto da iniziare a lavorare fianco a fianco nella produzione di alcune opere a quattro mani, in cui Basquiat inseriva tratti espressionisti, slogan e scritte. Una pittura istintuale e primitiva che si andava a miscelare a quella serigrafica, seriale di Warhol. Il loro rapporto era diventato quasi simbiotico, ma come spesso accade, due caratteri così dominanti, non saranno destinati a durare a lungo. Quando Warhol muore nel 1987, Basquiat ne sarà profondamente toccato. In breve, l'abuso di droga unita ai problemi mentali, lo portano ad una morte prematura: il 12 agosto del 1988 Basquiat muore di overdose nel suo appartamento newyorkese. Da molti considerato il padre della Street Art insieme a Keith Haring, è stato colui che ha saputo portare alla ribalta il graffitismo e ha chiuso l'epoca d'oro dell'arte contemporanea che negli anni '90 sposterà il proprio epicentro da New York a Londra.

ONO arte è particolarmente lieta di collaborare con Mantova Outlet Village. I risultati ottenuti nelle precedenti mostre sono talmente positivi da consolidare la nostra partnership e programmare nuove esposizioni legate sempre alla fotografia e alla cultura.

Mantova Outlet Village, inaugurato nel 2003, attualmente conta oltre 110 punti vendita dei brand di moda più famosi. Di proprietà del Gruppo Blackstone e gestito da Multi Outlet Management Italy Srl e di recente oggetto di riqualificazione, rappresenta insieme a Franciacorta, Valdichiana, Palmanova e Molfetta Outlet Village, uno dei principali Network italiani del settore. È meta ambita di un importante numero di visitatori (3.000.000/anno) e turisti - vista la vicinanza con il Lago di Garda e la città di Verona, oltre che al posizionamento strategico sull'A22, uscita di Mantova Sud.
L'Outlet, che nasce per essere una realtà commerciale, si caratterizza ed è noto sul mercato, come struttura promotrice e attiva nell'organizzare al suo interno grandi eventi di carattere artistico (mostre d'arte), culturale (rassegne cinematografiche e incontri letterari con autori di spicco), musicale (grandi concerti, opere liriche, circo contemporaneo) e molti altri. L'influenza e la collaborazione con la città di Mantova, famosa per i grandi Festival, oltre che per il patrimonio culturale (quest'anno ha ricevuto al nomina di Capitale Italiana della Cultura 2016) hanno sicuramente promosso lo sviluppo di queste caratteristiche da parte del Village.

La mostra (8 gennaio – 5 marzo 2017) è composta da 36 fotografie in diversi formati, l'ingresso è libero.

DOVE:
Mantova Outlet Village
Via Marco Biagi
Bagnolo San Vito (MN)
Per info e orari: 0376/25041
Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo. 
www.mantovaoutlet.it  

Presso il Ridotto del Teatro Regio, la cerimonia di premiazione del primo concorso Verdi Off realizzato per il Festival Verdi del Teatro Regio con l'associazione 360 Creativity Events e Parma, io ci sto!

Parma, 31 ottobre 2016

Si è svolta ieri, presso il Ridotto del Teatro Regio, la cerimonia di premiazione del primo concorso Verdi Off realizzato per il Festival Verdi del Teatro Regio con l'associazione 360 Creativity Events e Parma, io ci sto! ha visto la giuria selezionare venti opere sulle 300 presentate da partecipanti di tutta Europa. Artisti emergenti o affermati, professionisti e non, hanno dato sfogo alla propria creatività sul tema "Giuseppe Verdi" in chiave contemporanea e utilizzando linguaggi diversi quali pittura, fotografia, scultura, disegno, illustrazione, arte digitale, grafica. I lavori selezionati sono stati esposti per tutto il periodo del Festival Verdi in gallerie d'arte, spazi creativi, negozi ed esercizi commerciali, all'interno di un percorso artistico diffuso nel centro storico di Parma.

Presso il Ridotto del Teatro Regio è stato consegnato ieri, a Antonello Sportillo - autore dell'opera vincitrice "Verdi Out" - un primo premio di €1.000 da Alessandro Chiesi. I cinque premi più importanti sono andati a Maria Silvia Margot Del Turco, Tiziano Robello, Marco Goi, Erica Di Noia, Davide Forleo, Annalisa Di Meo e Federica Poletti. 

Foto di Francesca Bocchia

le foto continuano in fondo alla pagina 

Torna a Parma Seacreative per proseguire l'opera "La città che respira" nel sottopasso di via Trento. Per la realizzazione del murales l'artista sarà affiancato da tre studenti del Liceo Toschi.

Parma, 26 ottobre 2016

Alla luce del successo riscontrato per il wallpainting dello street artist Seacreative, realizzato lo scorso giugno nel sottopassaggio di Via Trento nell'ambito del #IKEAlovesEARTH, il Comune di Parma promuove la prosecuzione del murales ecologico "La città che respira", progetto artistico a cura di Others Associazione Culturale, al fine di ampliare l'opera di pittura murale anche sugli altri tre ingressi del sottopassaggio.
Nel corso della messa in posa dell'opera si è infatti riscontrata un'attenzione positiva ed entusiasta inerente al lavoro ed è stato mostrato da diverse persone, trasversali per età e provenienza, un vivo interesse per il progetto artistico che ha svolto la molteplice funzione di riqualificare un'area degradata della città e di promuovere la realizzazione di un'opera pubblica di grande valenza estetica e ambientale.
Considerato, infatti, il significativo livello di inquinamento della zona individuata - visto il crocevia di treni e mezzi pubblici e privati - il Comune di Parma ha deciso di sostenere il completamento del progetto "La città che respira" di Seacreative che impiegherà, anche per questo lavoro, speciali pitture in grado di ridurre la concentrazione delle particelle di ossido di azoto nell'aria, favorendo la diminuzione dell'inquinamento atmosferico, messe a disposizione dell'artista grazie alla preziosa collaborazione dell'azienda che produce Airlite.

Seacreative comincerà a lavorare all'opera a partire da oggi, mercoledì 26 ottobre e nella stessa giornata, alle 18.30 al Centro Giovani Casa nel Parco (Via Naviglio, 4/1), presenterà il suo lavoro incontrando i giovani interessati ad approfondire i temi relativi alla street art.
Per la realizzazione del murales l'artista sarà affiancato da tre studenti del Liceo Toschi nell'ambito della convenzione che il Comune di Parma ha stipulato con le scuole superiori della città per promuovere il progetto Alternanza scuola-lavoro.

L'Assessore alla Cultura Laura Ferraris sostiene il valore dell'iniziativa in tutte le sue implicazioni: "Il completamento del progetto artistico di Seacreative accoglie le numerose richieste dei cittadini, che hanno apprezzato la riqualificazione di un luogo attraverso un intervento estetico e dal profondo significato. Si prosegue così il percorso avviato nel dare ufficialmente spazio a forme d'arte, prima poco rappresentate, e farlo anche attraverso il coinvolgimento di artisti di fama nazionale e internazionale e di promettenti curatori, che vivono nella nostra città".
"In linea con le più recenti mostre a tema ecologico - sottolinea la curatrice Valentina Rossi di Others Associazione Culturale - e con una continua attenzione al soggetto dettata da incontri e convegni, l'opera pensata da Seacreative ha lo scopo di attivare delle riflessioni inerenti alla tematica attuale come quella appunto dell'ecologia, quindi di approfondire il rapporto tra ambiente, uomo, natura e cultura. Attraverso un wallpainting - realizzato con delle pitture ecologiche - viene creata l'occasione per interrogarsi, riflettere e affrontare le questioni sollevate legate all'ambiente e meditare sull'urgenza di cambiare lo stato attuale delle cose, simboleggiato dalla figura maschile che irrompe nello strato culturale per fare rifiorire quello naturale. Il tentativo è quello di creare una maggiore consapevolezza, l'opera non ha lo scopo di informare e formare la coscienza sui nostri ruoli, ma è semplicemente un monito su quello che possiamo ancora fare per l'ambiente".

Seacreative

Fabrizio Sarti, in arte Seacreative, nasce nel 1977 a Varese, dove dai primi anni Novanta comincia ad esprimere la sua creatività sui muri di varie città facendosi conoscere nel mondo del writing come Sea.
Maturato artisticamente, Sea rimane affascinato dalle opere di Barry McGee e Phil Frost e abbandona l'utilizzo di bombolette spray sostituendole con pennelli e colori acrilici. Muta anche il tratto che diventa più grafico ed è influenzato dagli studi di graphic design e dalle esperienze lavorative in varie agenzie di pubblicità e studi grafici.
Nel 2006 l'artista partecipa con le sue opere alla collettiva di street artists italiani "Street art sweet art" al Padiglione d'Arte Contemporanea (P.A.C.) di Milano dove, grazie ai numerosi visitatori, si fa conoscere anche al grande pubblico.
Oggi, oltre ai circuiti espositivi convenzionali, Sea Creative dipinge ed "espone" i suoi personaggi nelle aree industriali abbandonate, in un progetto artistico dove la street art si allontana dalla strada, dai muri delle città, per fondersi invece con l'archeologia industriale, con quei luoghi pieni di storia, che emozionano solo a entrarvi.
E' un artista con un suo stile ben definito: lineare ma attento ai particolari di un universo caotico dove il suo mondo fatto di personaggi grotteschi incuriosisce lo spettatore. Uno stile che esula dalla vera rappresentazione figurativa per allargarsi all'esperimento grafico/cromatico.
Il microcosmo dei suoi personaggi non appartiene a nessuna città, a nessuno specifico panorama urbano; i volti con espressioni stupite, attonite, assenti, appartengono solo alla mente dell'artista che rielabora esempi provenienti dal mondo reale lasciando allo spettatore libere chiavi di lettura.
Seacreative oggi vive e lavora tra Milano e Varese. Continua la sua produzione artistica con mostre nazionali e internazionali e collaborazioni nei più svariati ambiti creativi www.seacreative.net.

Others Associazione Culturale

L'associazione culturale Others è nata nel 2014 da un gruppo di ricerca legato all'Università degli Studi di Parma ed è composta da storici dell'arte e curatori, in particolare di arte contemporanea, biblioteconomi esperti di sistemi informativi e teorie dell'informazione, professionisti della comunicazione e project manager.
Others è attenta alle innovative pratiche di curatela del contemporaneo, alla progettazione e organizzazione di mostre, eventi, workshop e festival, e ha aperto un filone di ricerca sul concetto di "archivio", declinandolo in tutte le sue forme compresa quella digitale, legate alla moltiplicazione dei supporti, alla contaminazione dei linguaggi e delle modalità conservative e di valorizzazione: in questo ambito si inserisce MoRE museum, un museo digitale di progetti di arte contemporanea mai realizzati www.moremusueum.org.

Airlite

Airlite è una nuova rivoluzionaria tecnologia, 100% naturale, che si applica come una normale pittura su ogni tipo di superficie. Utilizzando l'energia della luce, riduce gli inquinanti nell'aria, elimina i cattivi odori, rende impossibile la crescita di muffe e batteri e, applicata all'esterno, riflette la componente calda del sole mantenendo gli ambienti freschi.
I prodotti Airlite, grazie alla propria tecnologia, attivano un processo naturale con cui vengono catturati e distrutti gli agenti inquinanti presenti nell'aria.
Airlite ha lo stesso effetto di un bosco: dipingere una superficie di 100m2 con Airlite riduce l'inquinamento dell'aria al pari di un'area di 100m2 coperta da alberi ad alto fusto. it.airlite.com  

(Fonte: ufficio stampa Comune di Parma)

Sino all'11 dicembre presso la Fondazione Magnani Rocca, di Parma, sono esposte le celebri Ninfee di Claude Monet (Parigi 1840 – Giverny 1926), provenienti dagli Stati Uniti, insieme ad altri due capolavori del pittore francese.

Monet alla fine dell'Ottocento approda alle famose "serie", in cui uno stesso soggetto è ripetuto più volte in momenti o condizioni atmosferiche differenti. Questi studi, ravvisabili a partire dal 1876, anticipano il tema della serialità, che sarà proprio della Pop Art, e rappresentano quasi una profezia dell'Informale.

Sempre alla Magnani Rocca sino all'11 dicembre si può visitare la grande mostra sulla Pop Art italiana, curata da Stefano Roffi e Walter Guadagnini, composta da circa settanta opere provenienti da importanti istituzioni pubbliche e prestigiose collezioni private. Una lettura articolata e innovativa delle vicende che hanno portato alla nascita e alla diffusione di una "via italiana" alla Pop Art. Due opere esemplari provenienti dalle stesse collezioni della Fondazione, una 'Piazza d'Italia' di Giorgio de Chirico e un 'Sacco' di Alberto Burri, due fonti primarie, storiche, dell'approccio italiano alla contemporaneità, alla figurazione e all'oggetto danno il via alla mostra.

Ciò che rende questa mostra un autentico unicum, è la possibilità di vedere una serie di sculture nelle straordinarie sale della Villa dei Capolavori, la dimora storica di Luigi Magnani, artefice della Fondazione Magnani Rocca: gli animali in metacrilato di Gino Marotta, le sculture di Pino Pascali, i legni di Mario Ceroli, la "Prima televisione a colori" di Gianni Ruffi dialogano con gli arredi e i dipinti della Fondazione, in un sorprendente confronto tra il mondo classico e la cultura popolare degli anni Sessanta. Anche uno splendido e rarissimo quadro di Domenico Gnoli, grande artista morto giovanissimo, proveniente da un'importante collezione privata, entra in dialogo con capolavori della pittura antica della Fondazione.

In mostra, accompagnano le opere pittoriche e scultoree alcuni significativi pezzi di design dell'epoca, oltre a rimandi all'editoria e alla discografia, che permettono allo spettatore di immergersi appieno nel clima culturale del tempo, momento cruciale di svecchiamento della cultura italiana in chiave internazionale, al confronto diretto con la nuova cultura di massa, analizzata in quegli stessi anni da grandi intellettuali attivi nel nostro paese come Pier Paolo Pasolini o Umberto Eco. Nel percorso della mostra, il video sul mondo del Piper Club di Roma, vero tempio della musica e del costume popolare anni Sessanta, completa l'affresco di questo particolare periodo.

Tutte le foto nella galleria immagini infondo, ph. Francesca Bocchia 

Maria Luigia, San Ludovico e gli artisti parmensi a cura di Alessandro Malinverni 15 ottobre - 27 novembre 2016 Parma, Galleria San Ludovico. Periodo mostra: 15 ottobre-27 novembre 2016

Ha aperto ieri al pubblico la mostra "Nel Tempio della Duchessa tra Reale e Virtuale. Maria Luigia, San Ludovico e gli artisti parmensi", che sarà visitabile fino al 27 novembre in Galleria San Ludovico.

In occasione dei 200 anni dall'arrivo della "Duchessa più amata dai Parmigiani", la città di Parma propone una variegata offerta culturale dedicata ad approfondire l'età dei ducati parmensi e a valorizzare il territorio: 16 mostre, 16 luoghi e 16 temi, per un anno di eventi nel nome di Maria Luigia d'Asburgo.

Proprio con questo spirito di riscoperta e rievocazione contemporanea dell'innegabile influenza storica, artistica e culturale della Duchessa, l'Assessorato alla Cultura del Comune di Parma, grazie ai prestiti della Galleria Nazionale di Parma e della Diocesi di Parma e ai numerosi partner pubblici e privati, organizza e promuove la mostra "Nel tempio della Duchessa tra reale e virtuale. Maria Luigia, San Ludovico e gli artisti parmensi" tra le esposizioni pensate in occasione del Progetto Maria Luigia 16.

"Questa esposizione – ha esordito l'assessore alla Cultura Laura Maria Ferraris nel momento dell'inaugurazione – è frutto di una ricerca filologica per valorizzare il patrimonio della nostra città, inserendo una significativa nota di innovazione. In particolare, come Amministrazione, abbiamo voluto restituire ad una dimensione pubblica alcune opere d'arte precedentemente collocate all'interno del Palazzo Municipale, la bellezza delle quali ora, come è giusto che sia, è a disposizione dei cittadini tutti".

E' stato il curatore della mostra Alessandro Malinverni a spiegare nel dettaglio la genesi dell'esposizione e i suoi contenuti, ricordando infine Gianfranco Fiaccadori, storico insigne, autore di molte ricerche e saggi anche sull'epoca luigina.

Carlo Mambriani , delegato dell'Università per il progetto Maria Luigia ha sottolineato il significativo ruolo dell'Ateneo "soprattutto in termini di consulenza per ricostruire e ricreare un luogo, come San Ludovico, che ora ha sembianze e caratteristiche diverse, interagendo con le nuove applicazioni multimediali a disposizione".

Soddisfazione è stata espressa anche da Antonio Scuderi di ARtGlass® , che ha evidenziato come i progetti di tecnologia semplice applicati possano essere strumento di avvicinamento e nuova conoscenza dell'arte e del territorio per le persone.

A concludere il momento dell'inaugurazione è intervenuto il sindaco Federico Pizzarotti, elogiando l'esposizione come un'occasione di scambio tra arte tradizionale e innovativa. "Dobbiamo essere – ha detto il Sindaco – i primi promotori delle bellezze della nostra città. Intorno al progetto Maria Luigia tante realtà hanno fatto squadra e di questo abbiamo bisogno per ricordarci da dove veniamo e dove stiamo andando".

Obiettivo dell'esposizione è quello di rievocare l'antico assetto della cappella ducale di San Ludovico, riconsacrata nel 1817 proprio per volere della stessa Maria Luigia, che lì fece trasferire una tela realizzata appositamente e ne commissionò numerose altre dando inizio così al suo mecenatismo.
Inoltre, sarà possibile ammirare per la prima volta i dipinti appena restaurati a cura del Comune di Parma, Cristo crocifisso di Giocondo Viglioli e La Vergine addolorata di Bernardino Riccardi, e l'antico assetto della Chiesa attraverso una sua ricostruzione virtuale, utilizzando l'innovativa tecnologia ARtGlass® che, grazie a visori di ultima generazione, rende possibile la fruizione di beni culturali attraverso la Realtà Aumentata.
ARtGlass®, società monzese appartenente al Gruppo Capitale Cultura, è stata la prima al mondo a introdurre nei siti culturali l'esperienza delle video-guide indossabili su occhiali multimediali.

I visitatori della mostra, indossando gli smartglass, potranno così entrare nel mondo di Maria Luigia.
A tutti i presenti - spiega Il curatore, Alessandro Malinverni, Conservatore del Museo Gazzola di Piacenza e collaboratore del Comune di Parma per le raccolte della Pinacoteca Stuard - sarà possibile rivivere la maestosità della Cappella, immergersi nella quotidianità delle persone che frequentavano la chiesa nel primo Ottocento osservandole pregare e chiacchierare, scoprire le vicende delle opere presenti riportate al loro assetto originale e, perché no, grazie a una tecnologia di grande impatto, incontrare la Duchessa in persona.

Questa rassegna, la prima esclusivamente dedicata all'arte sacra parmense in età luigina, rappresenterà inoltre per il pubblico un'importante occasione di approfondimento sul ruolo della committenza pubblica e sul mecenatismo luigino in campo artistico, oltre a valorizzare tanto il luogo espositivo quanto il patrimonio municipale: ben tre importanti dipinti già nella chiesa e lo stesso spazio espositivo appartengono infatti al Comune di Parma. Inoltre, essa si pone in continuità con quelle dedicate nel 2013 a Niccolò Bettoli e al Teatro Regio, realizzata in collaborazione con Parma Urban Center, nonché quelle organizzate nel 2016 dall'Accademia di Belle Arti e dalla Fondazione Cariparma.

Tradizione e innovazione sono collegate da un ponte tra passato e presente che sta percorrendo tutto il 2016 dedicato a Maria Luigia; ma mai così tangibilmente come per questa esposizione arrivano a fondersi l'una con l'altra fino a comporre un'unica intensa esperienza reale e virtuale.

La Cappella Ducale di San Ludovico:
Chiusa al culto nel 1806, la Cappella Ducale di San Paolo venne riaperta al pubblico e riconsacrata il 28 ottobre 1817, per volere di Maria Luigia, con la nuova intitolazione al santo di cui portava il nome, San Ludovico (San Luigi dei Francesi). La Duchessa vi fece trasferire tele realizzate nel passato, come San Ludovico che dona al Beato Bartolomeo di Breganze una porzione della Santa Croce di Giuseppe Peroni (oggi nel Palazzo Vescovile), e ne commissionò poi numerose altre, facendo del tempio una sorta di galleria dei migliori pittori parmensi.
Numerosi furono infatti gli artisti locali coinvolti in questo cantiere, che implicò anche una ristrutturazione del tempio affidata a Niccolò Bettoli: Giovanni Riccò, Giovanni Gaibazzi, Giocondo Vignoli, Francesco Pescatori, Bernardino Riccardi, oltre ad artigiani e maestranze diverse che si occuparono degli stucchi, degli arredi, dei paramenti, dell'organo (quest'ultimo commissionato ai fratelli Serassi di Bergamo).
L'importanza della chiesa e del suo cantiere, tra i primissimi atti mecenatistici di Maria Luigia, è attestata dalla litografia Veduta dell'interno della cappella di San Lodovico nel volume celebrativo Monumenti e munificenze di Maria Luigia d'Austria (1845), nonché dalle guide artistiche coeve.

(in allegato GALLERIA IMMAGINI a cura di Francesca Bocchia)

Per maggiori informazioni su tutti gli eventi del progetto Maria Luigia 2016: http://marialuigia2016.it/ 

Orario: Lun., mer., giov., ven. dalle 10.00 alle 17.00; sab., dom. e festivi dalle 10.30 alle 18.30.
Ingresso gratuito
Sede: Galleria San Ludovico, Borgo Del Parmigianino, 2 – 43121 Parma Tel: 0521-508184
Info: www.marialuigia2016.it  www.comune.parma.it/cultura 

L'associazione U.C.A.I. di Parma è lieta di presentare la mostra personale di

 Sauro Tessoni
"Opere 2006 - 2016"

 presso la GALLERIA S.ANDREA 
via Cavestro 6, Parma. 

Inaugurazione Sabato 15 OTTOBRE 2016 alle ore 17 

Dal 15 al 27 Ottobre 2016.

Parma, 8 settembre 2016

Proseguono le attività espositive presso la Galleria S. Andrea anche nel mese di ottobre con la mostra personale del pittore parmigiano Sauro Tessoni che esporrà nella mostra di quest'anno dipinti prodotti negli ultimi dieci anni, a testimoniare un percorso di ricerca e di crescita artistica.

Socio dell'associazione U.C.A.I. da diverso tempo, Sauro Tessoni è un esperto esecutore sia della tecnica ad olio che ad acquarello, interpretando tanto paesaggi e nature morte quanto figure con equilibrio compositivo e coloristico. Ha avuto riconoscimenti da vari critici locali come Tiziano Marcheselli e Manuela Bartolotti, e anche milanesi come Anna Bonanni. Di seguito alcuni estratti da testi critici.

"... Nei quadri di Tessoni tutto sembra sospeso, silenzioso, in attesa. E in questa attesa ogni cosa vibra nella luce, mentre i colori si compongono in orchestrazione perfetta. E' questo ordine, questo equilibrio a far credere all'incantesimo dell'immobilità, ma a ben vedere c'è sempre un assolo splendente, una deflagrazione solare, squillante. La pittura di Tessoni è il canto corale della vita in un'estate che sembra non finire mai: un INNO ALLA GIOIA. quello che sembra muto, porta in sè il soffio dell'esistenza: flebile ma perenne. E' il sussurro che richiama il giorno, acquattato nelle cose e nella speranza del dopo. E quest'artista invita ad ascoltarlo, opera dopo opera, in un crescendo gioioso, in un tripudio di colori. Una sinfonia. 
La nona?" Manuela Bartolotti – Parma.

"...di Giorgio Morandi si è esaltato il silenzio delle sue nature morte inconfondibili e immote nel tempo, ma si può affermare che questa caratteristica - presente anche nei lavori di TESSONI - ha molte variabili indotte dalla luce e dai colori che ne compongono tavolozza e spartito. La misura sta nell'equilibrio compositivo raggiunto da questo artista, le cui opere sono pervase da un innato ritmo musicale che ne esalta la pennellata elegante, l'orchestrazione raffinata e vibrante.
Una pittura in controtendenza nel panorama dell'Arte contemporanea che tra la scomposizione e la concettuallità ha rotto con la logica della rappresentazione pura. Viceversa TESSONI ha scelto l'incanto delle emozioni percettive quale formidabile veicolo sensoriale che l'artista, con vibrante intensità, ci trasmette dai suoi quadri pregni di luce e di una innata positività." Anna Bonanni.

Ingresso gratuito

ORARI
da Martedì a Sabato 10-12 e 16-19
Domenica 16-19 
Lunedì chiusura